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Hasta el 22/09

PROYECTOR. FESTIVAL DE VIDEOARTE

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Esta exposición se enmarca dentro de 'PROYECTOR. Festival de videoarte', que incluye una selección de artistas que son figuras clave del videoarte nacional e internacional que están redefiniendo este concepto que se inició en los años 60. Expondrán en Casa de América los artistas Beatriz Millón (España-México), Julieta Caputo - Guadalupe Sierra (Argentina) , Karina Zen - Giovani Bertoletti (Brasil-Italia), Rogelio Meléndez (México), Mauricio Sáenz (México) y Juan Carlos Bracho Jiménez (España).

El festival surge con la intención de generar un espacio donde pueda tener cabida la expresión audiovisual más reciente e inmediata. Es, por tanto, un espacio de visibilización para el artista en relación con su emplazamiento, es decir, un esfuerzo para que artistas y sedes estén interconectados para redimensionar el espacio más allá de lo físico otorgándole una dimensión pública, constituyéndolo en un elemento político, un lugar de contienda, de acciones militantes: para conseguir un empoderamiento cívico.

Este festival, que se organiza por distinta sedes de Madrid, es una muestra de videoinstalaciones (monocanal, multicanal, interactivas), intervenciones y proyecciones comisariados por expertos provenientes de festivales internacionales en espacios privados, públicos y en la misma calle, además en el programa se incluyen talleres y conferencias. 

PROYECTOR contará este año con artistas de la convocatoria a la que se han presentado cerca de 300 propuestas de 21 países, además de artistas invitados. 

La inauguración tendrá lugar el 12 de septiembre a las 19.30.

Fecha: del 12 al 22 de septiembre de 2018.
Hora: de lunes a viernes de 11.00 a 19.30. Sábados de 11.00 a 15.00.
Domingos y festivos cerrado. 
Lugar: sala Torres García y cámara oscura.
Entrada libre hasta completar aforo.

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PROYECTOR es una plataforma de videoarte destinada a la difusión del medio audiovisual haciendo énfasis en su carácter experimental y contemporáneo que ha generado relaciones con espacios que garanticen su visibilidad, favoreciendo una posterior reflexión tras el visionado de las obras. La plataforma incluye cuatro ejes de trabajo: festival, comisariados, LAP y catálogo online.

'PROYECTOR. Festival de Videoarte' cuenta con la participación de artistas, comisarios y festivales de gran parte del mundo. Su programación está compuesta por vídeo-instalaciones (monocanales, multicanales, interactivas), intervenciones, proyecciones en el espacio público, performances, charlas, encuentros, talleres y conferencias. Por él han pasado artistas de la talla de Isidoro Valcárcel Medina, Eugenio Ampudia, Fernando Sánchez Castillo, Santiago Sierra, Regina José Galindo, Irit Batsry, Pavel Büchler, Carolee Schneemann, Faycal Baghriche, Hans Breder u Olga Roriz. En esta edición, contaremos con la participación de los siguientes artistas: Concha Jerez, Francesc Torres, Gary Hill, Zbigniew Rybczyński, Cristina Lucas, Elena Córdoba y João Tabarra, entre muchos otros invitados.

Beatriz Millón (España-México).
Neocolonialismo (2017; 18'30)
 
En el istmo de Tehuantepec (México) el capital ha transformado el viento en mercancía y en un medio de explotación y expropiación del territorio. La construcción de un megaproyecto de energía eólica ha generado en la región -a cambio de las tierras y el viento- una cantidad limitada de trabajos temporales, la transformación acelerada de la forma de vida y convivencia de las comunidades, una fuerte polarización social y comunitaria, y una serie de efectos ambientales negativos relacionados con la construcción de los parques de turbinas eólicas. En ese rincón de sur del estado de Oaxaca, mediante el discurso de la energía verde llevado a cabo principalmente por empresas transnacionales (Iberdrola, Gas Natural Fenosa, Acciona, Gamesa, EDF Energies Nouvelles, entre otras) justifica el despojo y la rad ical transformación de la vida comunitaria bini’zaa (zapoteca) e ikoots (huave). El proyecto Neocolonialismo, ha consistido en la realización de una intervención escultórico-lumínica en un los campos eólicos de Unión Hidalgo, así como un audiovisual que refleja la realidad de este megaproyecto: el orden colonial con el que coexistimos y sus afectaciones a los pueblos originarios que resisten al despojo y a las constantes violaciones de los derechos humanos.
 
Artista visual e investigadora, residente en México. El trabajo de Beatriz Millón aborda y reformula las relaciones socio-culturales del ser humano y su entorno. A través del análisis de la desestabilización ecosistémica debida a la crisis ecológica, desarrolla proyectos que se sirven de diferentes lenguajes y estrategias para visibilizar problemas medioambientales que tienen su origen en los actuales modelos de relación, producción y consumo.
 
Julieta Caputo y Guadalupe Sierra (Argentina)
Leal (2017; 8'00; 2 canales)
 
Leal (o la tanatopraxia del arte audiovisual) es una videoinstalación que indaga sobre el letargo ante un devenir temporal inexorable a través de pinturas videográficas.
Actriz: Mariela Rodriguez.
Idea y Dirección: Julieta Caputo, Guadalupe Sierra.
Producción: Julieta Caputo, Guadalupe Sierra.
Dirección de fotografía: Gala Negrello.
Dirección de Arte_ Olimpio Brunetto.
Montaje: Julieta Caputo, Guadalupe Sierra.
Sonido: Mariano Aso, Francisco Axel Miguel.
1er Asist. Arte: Agostina Álvarez.
2da Asist. Arte: María Paula Bernardou.
Corrección de color_ Gala Negrello.
After effects: Facundo Otero.
Eléctricos: Sofía Monardo, Rocío Abatte, Emiliano Vallejo, Violeta Bastías, Paulo Folly, Luciana Malavolta, Manuel Ojeda Saavedra, Martin de Domini, Bárbara Soto, Agustín Armanino Méndez, Tania Scofano.
Realización timelapses: Julieta Caputo, Guadalupe Sierra.
Mapping en instalación: Florencia Babouian.
Asistencia de vídeo para la instalación: Tomás Raimondo.
 
Julieta Caputo y Guadalupe Sierra, argentinas, son diseñadoras de imagen y sonido de la Universidad de Buenos Aires.
 
Karina Zen y Giovanni Bertoletti (Brasil-Italia)
Good Night (2017; 14'43)
In the video "good night" a watercourse changes direction several times due to the closing of a gate in an adjacent river. This is made evident by the autumn leaves floating on its surface as if they were individuals dragged from their daily routine. On another level the trees reflected in the water provide a solid background to movement.
The voice of T.S. Eliot reading a piece of the poem "The Waste Land" overlaps the sound of the city
...
The river bears no empty bottles, sandwich papers,
Silk handkerchiefs, cardboard boxes, cigarette ends
Or other testimony of summer nights. The nymphs are departed.
And their friends, the loitering heirs of city directors;
Departed, have left no addresses
...
The moments when the water stops for a few instants before changing direction, are highlighted by the female voice of a character from the same poem by Eliot, who alludes to Ophelia of Shakespeare's Hamlet, with the sentence that precedes his death: ... good night sweet ladies, good night, good night. 
The "good night" of Ophelia, between one flow and another, offers the possibility of awakening from the blind sleep.
 
Giovanni Bertoletti & Karina Zen have been exhibiting and maintaining a practice that unfolds in different languages since 2008: video, installations and photography. They live and work in Berlin.
 
Rogelio Meléndez Cetina (México)
Permanencia invisible del monumento (2017; 3'59)
 
“Permanencia invisible del monumento” crea un gran refugio de concreto entre el espacio y nosotros que pareciera una escultura minimalista a gran escala, entablando un diálogo sobre lo que nos rodea y lo que experimentamos, de cómo se correlacionan los cambios cotidianos y de los espacios en los ambientes modernos, en cómo habitamos, cohabitamos y nos apropiamos de ellos, manteniendo así una posición de extrañeza que de tal modo el pasado no es totalmente pasado ni el presente solo presente, más bien, como si se tratara de fantasmas que ocupan al mismo tiempo un mismo lugar y que hablan del paso del tiempo como factor transmutador y como elemento constitutivo de nuestra experiencia en el mundo, como si viviéramos una condición futura y planteando un agudo cuestionamiento sobre cómo nos relacionamos en este tiempo y qué hacer con el presente.
 
Rogelio Meléndez a.k.a Ayer (Reynosa, México 1988) es un artista visual multidisciplinario que cubre diferentes medios en su producción como: graffiti, pintura, mural, instalación y vídeo. Su trabajo ha sido exhibido a nivel nacional e internacional, tales como: La Casa de la Cultura del Cusco en Cusco (Perú, 2016), el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce de Morelia (México, 2016), el Instituto Cultural de México en Francia, Francia. , 2015), el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Tamaulipas (México, 2015), el 18 ° Festival Internacional FILE Electronic (Brasil, 2017), el Miami New Media Festival "MNMF" (EE. UU., 2017), Festival Internacional de Cine  Experimental y Videoart "Bideodromo" (España, 2017) entre otros. También fue ganador del Premio de Adquisición en La Bienal de Las Fronteras (México, 2014), seleccionado en la X Bienal de Pintura y Grabado "Alfredo Zalce" (Michoacán, 2016) y en la XI Bienal de Pintura "Joaquín Clausell" (Campeche, 2015), Mención de Honor en la Décima Muestra de Arte Grupo Reforma (México, 2015), ganadora de la beca de artista emergente INTERFAZ 2015 y beneficiaria en el "Programa de Estimulación del Desarrollo y Creación Artística 22" en la categoría de "Jóvenes Creadores" "(PECDA 22, 2017).
 
Mauricio Sáenz (México)
Dakhla (2016; 5'40) 
 
Dakhla reflexiona sobre el concepto de la incertidumbre y la imprecisión de una realidad cambiante como una confrontación continua. A través de una narrativa que describe un viaje metafórico al medio del mar entre dos puntos distantes en la misma latitud para ver la vida en perspectiva, representaciones de lo efímero y lo impredecible enfatizan sobre la idea de un futuro que se alimenta de la casualidad y la especulación. Esta obra se enfoca en cuestionarse cómo la incertidumbre condiciona el pensamiento, generando así nuevas posibilidades para el futuro y reflexionando igualmente sobre un probable cambio de curso de lo pasado.
 
Mauricio Sáenz (n. 1977, Matamoros, México) es un artista visual con un práctica que abarca la instalación, escultura y video. Su obra explora los límites de la imposibilidad como impulsor activo de transformación representado a través de nociones como el aislamiento, incertidumbre, confinamiento y memoria histórica. Obtuvo una maestría por la Universidad Politécnica de Valencia en España y ha expuesto su obra en el Museo de Arte Carrillo Gil y el Foto Museo Cuatro Caminos en la Cd. de México, Galerie Art Virus en Frankfurt y Jonathan Ferrara Gallery en Nueva Orleans, así como en festivales de videoarte como el European Media Art Festival en Alemania donde también fue nominado para el Dialogpreis del Ministerio Alemán de Relaciones Exteriores, PROYECTOR y MADATAC en España, Traverse e Instants Vidéo en Francia y FIVA en Argentina, entre otros. Recientemente fue nominado para el premio LOOP Discover en Barcelona para videoartistas internacionales emergentes.
 
Juan Carlos Bracho Jiménez (España)
Imitación a la vida (2017; 20'46)
 
Un espejo, dice la enciclopedia, es “una superficie brillante en la que se reflejan las imágenes”. Un lugar sin espacio por excelencia ni densidad donde sin embargo tiene cabida todo, hasta lo infinito; umbral entre lo real, lo imaginario y lo simbólico que recoge y condensa todo lo que le rodea. Y, ¿qué es una imagen?: “1. Apariencia visible de una persona o cosa por efecto de ciertos fenómenos de óptica // 2. Reproducción de la figura de un objeto sobre un espejo, pantalla, etc...”. 
Una imagen es siempre un reflejo, un pozo sin fondo, algo intangible incierto e indefinido cuyo significado no se limita a lo que vemos, lo que reconocemos sino que va unido a toda una batería de recuerdos y visiones mentales latentes en nuestro pensamiento. La pantalla como superficie residual y como referente de nuestro imaginario visual, ha sido un tema recurrente en los trabajos de Juan Carlos Bracho, al igual que el paisaje como espejo de nosotros mismos, nuestra más insondable consciencia. Pero, ¿somos realmente críticos y conscientes de la realidad que nos rodea y se nos muestra, o simplemente permanecemos hipnotizados ante esos reflejos, ante esas imágenes que consumimos compulsivamente y alrededor de las cuales navegan nuestros pensamientos?.
A lo largo de su trayectoria, Bracho ha reflexionado sobre el tema del paisaje desde la abstracción, la fantasía, el sueño o la mirada del otro, y por primera vez el protagonista de la vídeo performance Imitación a la vida es un paisaje real; el jardín como expresión de un entorno domesticado, codificado e intelectualizado. En este nuevo trabajo, fiel a su manera, Bracho, pacientemente y con una actitud distanciada y desprovista de esa carga aurática atribuida tradicionalmente a la figura del artista, ejecuta una acción registrada a tiempo real y editada en un solo plano secuencia: el borrado del alumbre de un espejo de gran formato que ocupa la totalidad de la escena. El disolvente químico utilizado por el artista -aplicado con una minervilla que al pulverizar el líquido funde y disuelve la imagen- convierte ese espejo en un simple cristal, revelandonos lo oculto a primera vista; una imagen que no es más que la continuación de la estampa que vemos desvanecerse en un primer momento. Un juego de reflejos en el que nuestra mirada, fija sobre la pantalla, experimenta una vez concluida la acción un giro de 360º.
El resultado final de este súperplano secuencia es una narración sin clímax en la que el peso del relato y la acción se diluyen otorgando a la imagen una dimensión plástica total. Esta suspensión de la historia permite al espectador recrearse en el proceso creativo de consolidación y recepción de unas imágenes que lentamente se transforman ante sus ojos. 
Imitación a la vida es, en definitiva, una propuesta que profundizan sobre el sentido más íntimo de la idea del paisaje -un elemento sinérgico en continuo cambio y metamorfosis- y sobre el espejo como superficie que refleja lo que no le pertenece. Una reflexión sobre lo que percibimos, sobre la pantalla y las imágenes que éstas emiten sin cesar, cada vez más etéreas, intangibles y carentes de sentido.